Quarta è al momento ultima puntata dedicata alla rubrica Come impostare un blog.
Finora abbiamo analizzato tre punti fondamentali per ogni aspirante blogger:
- Le motivazioni che spingono verso un’attività di questo tipo;
- I possibili modi per tentare di farlo diventare un lavoro vero e proprio;
- Il rischio che la passione diventi un’ossessione.
Che cosa rimane da aggiungere?
In realtà di cose da dire ce ne sarebbero ancora parecchie, ma non voglio nemmeno fingere di conoscere la ricetta segreta per creare il blog perfetto. Anche perché non credo che qualcosa del genere esista: né la ricetta né il blog perfetto. Quindi mi limiterò a proporvi una mia netiquette minima sul “come bloggare senza apparire dei grandissimi cazzoni”.
Sentitevi liberi di aggiungere i vostri consigli.

Netiquette spiccia del blogger 

1. Cercate di aggiornare il blog con una certa frequenza, o almeno a scadenze predeterminate. Se non potete farlo, avvertite i vostri lettori dei ritardi, sia sul blog stesso che sui social network

2. Cercate di rispondere a buona parte dei commenti ricevuti, o almeno a quelli sensati e ponderati che non si limitino a uno smile o a un “LOL”. Questo discorso vale soprattutto per i post che nascono come confronto e discussione.

3. Concedete libertà di parola, ma nei limiti delle vostre regole e della piacevole gestione del blog. Non lasciate spazio a chi insulta, ai troll, a chi fa capolino sempre e soltanto per esprimere pareri discordanti. La democrazia assoluta non sempre paga e non è obbligatorio sposarla come filosofia di blogging.

4. Evitate di utilizzare il blog come pulpito da cui attaccare colleghi con cui avete in ballo diatribe personali. E’ una pratica squallidissima e controproducente.

5. Non tutti hanno il tempo di controllare quotidianamente i vostri aggiornamenti. Aiutate i lettori più impegnati (o distratti) utilizzando i Feed e i social network – Facebook e Twitter su tutti. Non date per scontato che tutti si ricordino sempre di voi.

6. Non pubblicate mai, senza l’esplicito permesso dell’autore, il contenuto di messaggi di posta elettronica.

7. Di tanto in tanto eseguite dei sondaggi, formali o informali, per capire se la gestione del blog è soddisfacente o se occorre qualche modifica in corso. Non per farvi dettare la linea editoriale dai lettori, bensì per capire se lo scarso entusiasmo è dovuto ai contenuti o piuttosto allo stile di scrittura.

Questa volta la celebrità della domenica l’ho scelta per bieco favoritismo personale.
Ludovica Caramis è una delle poche “donne di spettacolo” italiane che utilizzano Twitter così come dovrebbe essere per chi lavora in questo ambiente: interagendo con le persone che decidono di seguirle attraverso il noto social network.
Cosa che per il momento ho riscontrato solo nella tanto bistrattata Elisabetta Canalis (lodi, lodi, sempre e solo lodi!) e in Cristina Scabbia. Forse tante altre “vip” pensano che Twitter sia solo un vezzo per mettere in pubblico lo scambio di battute tra chi fa parte di questo bel mondo dorato. Il che francamente è più triste che irritante. Quindi, una volta tanto, spazio a chi fa un uso più social di questi network, sperando che tempo e successo non cambino le cose.

Probabilmente Ludovica è al momento meno nota delle due fanciulle appena citate, perciò ve la presento in breve.
Classe 1991, nata a Roma, sul finire del mese di luglio. Nonostante la giovane età ha in curriculum diversi lavori nella pubblicità, molte sfilate e una partecipazione a Miss Italia 2009. La televisione l’ha reclutata nel 2011, come valletta de L’Eredità, il programma preserale di Rai 1. Una curiosità nel suo curriculum: è la nipote della conduttrice Paola Perego.
Ludovica ha un sorriso che esprime calore umano e, diamine, è proprio una bella ragazza. Cercavo un modo più raffinato di dirlo, ma a volte la semplicità paga più di ogni altra cosa.
Sono curioso di sapere – così come ho già detto parlando di Miriam Leone qualche settimana fa – come la televisione italiana sfrutterà un potenziale di questo tipo. I ruoli che offre la TV nostrana sono pochi e il ruolo femminile è spesso schiacciato in un angolo. Comunque io faccio il tifo anche per Ludovica che, pur conoscendola solo attraverso una manciata di tweet, mi sta simpatica tanto da dedicarle questo articolo.

Vi ricordate quando, negli anni ’80, i film di Arnold Schwarzenegger vi insegnavano i valori della vita, la filosofia, l’amore per l’arte e per la cultura?  Vi ricordate i profondi temi sociali affrontati da film come Commando, Atto di Forza e Codice Magnum? Vi ricordate quella bella sensazione che vi permeava a fine visione, quando vi sentivate arricchiti come uomini e come persone?
No? Meno male, perché in quel film non c’era nulla di tutto ciò. Però c’erano dialoghi serrati e cazzeggioni, scene epiche e memorabili nella loro improbabilità. Tanto che ora che siamo dei baldi uomini di età matura (solo l’età, appunto), ancora li ricordiamo, li citiamo e stiamo qui a pubblicarne gli estratti presi da Youtube.
Perché tiro fuori questa storia? Perché, tra le tante belle recensioni di The Avengers (film che in linea di massima è piaciuto a un sacco di gente), le critiche più ridicole che mi è capitato di leggere sono riassumibili con questa mitica frase:

The Avengers è un film poco verosimile che ha scarsissime attinenze con la realtà e non insegna niente.

Cazzo no! Mi hanno smontato completamente. E io che lo ho recensito sprecando belle parole, senza accorgermi che è un film senza attinenze con la realtà. Come ho fatto a essere così cieco? Sarà colpa di DareDevil?
Vabbé, come volete che risponda a una stronzata sesquipedale come questa? In modo serio magari? Va buò, proviamoci lo stesso.

Ok, a me va benissimo se The Avengers non vi è piaciuto perché odiate gli eroi Marvel, perché vi aspettavate un’altra roba cupa tipo il Batman di Nolan etc etc. I gusti son gusti, chi sono io per dirvi che sbagliate?
Premesso ciò, rimango dell’idea che è uno di quei pochi film che puntano forte sul divertimento senza però scadere nell’esigenza un po’ scema di dover spegnere il cervello. Non è una roba alla Michael Bay, per capirci. Che mr. Bay te lo puoi pure vedere ogni tanto, ma dovrebbero metterci il disclaimer del tipo “Non superare le dosi consigliate – nuoce gravemente ai neuroni“.
Merito di Whedon, dei dialoghi serrati e riusciti, delle battute geniali. Per i Marvel fans è anche merito di ottime caratterizzazioni di quelle che sono vere e proprie icone internazionali, Tony Stark e Steve Rogers su tutti. Ma questa è roba che in fondo riguarda noi appassionati e basta, quindi lasciamola da parte.

Che poi so bene quanto i critici cinematografici impegnati potrebbero perfino inventarsi una doppia chiave di lettura per ogni singolo fotogramma del film, o come certi blogger che a volte giocano a fare gli stanchi e gli annoiati troverebbero mille motivi per cui è meglio il film indipendente prodotto in Gabon, rispetto ai Vendicatori di Joss (che è poi Whedon, non la Stone, quella dei piedi che fanno gola ai feticisti*). Ma a me i critici e i blogger annoiati stanno francamente un po’ sui coglioni, quindi perché dovrei preoccuparmi di loro?

No… è un altro Joss, mi dispiace!

Ora, ditemi un po’ se film come Commando, L’Implacabile, Atto di Forza** funzionano su meccanismi poi tanto diversi da The Avengers. Se rispondete “sì” siete dei malati mentali e vivete in un universo parallelo al mio. Vi lascio al vostro mondo di fate e di gnomi, senza offesa…
Se invece rispondete “no”, avete capito il senso del post e probabilmente non verrete a rovinarmi il sabato con altri discorsi sulla verosimiglianza e sull’attinenza alla realtà. Quindi direi che possiamo smetterla qui e pensare a qualcosa di più divertente, tipo l’ospite femminile di Plutonia di domani o l’ebook che vi regalerò mercoledì prossimo.

Se invece The Avengers non vi è piaciuto per altri motivi cazzi vostri rispetto la vostra opinione e non ho nulla da rimproverarvi. Ci mancherebbe pure!
- – -

*Ma quindi Joss è un nome da donna o da uomo?

**In un altro blog che stimo leggevo invece di un parallelismo tra The Avengers e quel che rappresentò Indiana Jones per la generazione dei ragazzi negli anni ’80. Direi che è un discorso che si riallaccia col mio e che ci sta alla grande.

I Jefferson
di Don Nicholl e Michael Ross
USA, 1975-1986
11 stagione, 253 episodi

C’è un canale del digitale terrestre, uno dei tanti nati dopo quella roba assurda che hanno chiamato switch-off , che trasmette le repliche de I Jefferson a nastro. Tre, quattro episodi al giorno, proposti in più fasce orarie.
Un vero e proprio trip, un viaggio nel tempo che mi son fatto ben volentieri, ma anche un crescente senso di nostalgia.
Perché io coi Jefferson ci sono cresciuto. Erano gli anni ’80 e Canale 5 li trasmetteva a ora di cena, credo alle 19.00, prima di Mike Bongiorno. In casa avevamo da poco una televisione anche in cucina, succubi di quello che, due decenni dopo, qualcuno avrebbe definitivo il lavaggio del cervello berlusconiano. Ma a quei tempi l’idea nemmeno ci sfiorava e, per quanto certi intellettuali continuino ancora oggi a giocare alla cospirazione, non ce li vedo proprio George Jefferson, Arcibaldo, Arnold e Magnun P.I. a fare propaganda per Forza Italia.

Direi piuttosto che telefilm come questi sono serviti a un’intera generazione per guardare oltre i confini del nostro paesello. Ai tempi eravamo ragazzini che alternavano anime giapponesi (chiamati semplicemente “cartoni animati”) a produzioni americane, beandoci di ciò che c’era là fuori e che, attraverso la scatola magica, entrava nelle nostre case.
Col senno di poi mi chiedo cosa capivano i miei genitori – semplice tradizione contadina – di tutte quelle ambientazioni newyorchesi, dei sottotesti razziali, dei nomi anglofoni a volte storpiati in fase di doppiaggio.
I Jefferson in particolare sono stati per me il primo vero specchio verso il mondo inteso come oltre-Italia. Innanzitutto perché i protagonisti erano due adulti di colore, George e Louise, che si erano trasferiti da un tugurio di Harlem a un lussuoso grattacielo nell’Upper East Side di New York. Ogni episodio mi regalava uno squarcio dall’alto, coi finestroni dell’appartamento dei Jefferson che guardavano la città da un punto privilegiato. Sicuramente si trattava di una ricostruzione fatta in studio, ma che otteneneva un effetto psicologico non indifferente.

Il telefilm era una sit-com, quindi un alternarsi di battute e situazioni da commedia. Tuttavia spesso e volentieri c’erano dei retroscena molto più seri, in primis riguardo alla questione della parità razziale (allora ben lungi dall’essere tale) tra bianchi e neri. George Jefferson, lavandaio di successo, si poneva a metà tra i due mondi: nero per DNA, ricco per tenore di vita raggiunto col lavoro. Spesso e volentieri si trovava ad affrontare situazioni e personaggi che lo mettevano di fronte alle sue mai rinnegate origini. Allo stesso modo la produzione stigmatizzava anche alcuni atteggiamenti negativi della popolazione afroamericana di NY, in particolar modo la propensione alla criminalità intesa come “livella sociale”. 

Avevo forse undici anni quando vidi la puntata in cui si rievocava l’assassinio di Martin Luther King. Ai tempi di King avevo sentito parlare soltanto a scuola, in modo generico e distratto. Fu l’improvvisa svolta drammatica di quella puntata dei Jefferson a farmi interessare davvero a quel personaggio notevole, che ora le nuove generazioni a stento conosceranno. O forse nemmeno.

A parte questi episodi di sensibilizzazione, ricordo con grande affetto I Jefferson perché rappresentano lo specchio duale di un’epoca che appartiene a tutti coloro che hanno più o meno la mia età. Perfino nei vestiti, nell’estetica, nei camei ripetuti di stagione in stagione (Sammy Davis Jr., Sister Sledge, Joe Frazier, Louis Gossett Jr. etc etc), si respira l’atmosfera di quelli che furono i Settanta e gli Ottanta.
Nel nostro piccolo questa sit-com ha rappresentato un tassello importante in quel processo – positivo o negativo, ditemelo voi – di apertura al resto del mondo. Un processo iniziato anni prima grazie al cinema, ma completato quando certe cose abbandonarono il grande schermo per il piccolo, quello che faceva parte delle nostre case, delle nostre famiglie.

In questo periodo si fa un gran parlare di supereroi su Plutonia; è inevitabile e la cosa andrà avanti ancora a lungo, mi sa. Tra l’altro molti di voi mi chiedono articoli di approfondimento, in particolare sul cinema supereroistico. Vi prometto che arriverà, ma con calma, visto che la fase di documentazione e scrittura sarà piuttosto lunga.
Oggi invece ci occupiamo di uno stereotipo di supereroe, il protettore, incarnato nella figura di Superman, l’uomo d’acciaio, Kal-El, Clark Kent, l’uomo dai mutandoni indossati sopra la calzamaglia.
Un Dio, più che un supereroe. Qualcuno lo paragona a una figura cristologica, tanto sono grandi i suoi poteri, quasi a rasentare l’onnipotenza.
Forse proprio per questo Superman è un eroe che in realtà molti non amano. Però l’uomo di Krypton si presta anche a scenari alternativi interessanti, spesso inquietanti. Alcuni li ha esplorati la stessa DC Comics nei suoi lavori più cupi e maturi (penso per esempio a Superman:Red Son). Ma in realtà sono altre le saghe che ci offrono dei supereroi in stile Superman, ma con particolarissime reinterpretazioni dell’uomo d’acciaio.
Partendo dall’impostazione più o meno classica del personaggio, molti autori hanno mischiato le carte, ottenendo gli interessanti personaggi che vado a presentarvi… (Attenzione: ci sono alcuni spoiler su diverse serie a fumetti)

Il Plutoniano

Saga: Irredeemable
Autori: Mark Waid e Peter Krause
Editore: Boom! Studios
Poteri: Forza sovraumana, volo, invulnerabilità quasi totale. In realtà i suoi poteri non sono fisici, bensì psionici, ma a livello incoscio. Il Plutoniano è in grado di manipolare la materia a livello subatomico. In tal modo risulta essere tanto forte da apparire quasi invincibile. Se fosse consapevole delle sue reali abilità, il Plutoniano sarebbe molto simile a un Dio vero e proprio.

Ne abbiamo parlato ampiamente in questo articolo. Il Plutoniano risponde a un preciso interrogativo: cosa succederebbe se un eroe di “classe Superman” impazzisse e si rivoltasse contro la terra? Proprio nulla di buono. Mark Waid ce ne dà la prova, descrivendo una creatura tanto forte e un tempo amata, quanto ora distruttiva e inarrestabile.
Un altro spunto geniale che contraddistingue il Plutoniano è la natura dei suoi poteri, che in realtà non sarebbero di carattere fisico, bensì mentale: il Super riesce a fare quello che fa perché “pensa” e al contempo agisce, manipolando a livello inconscio la realtà attorno a sé. Senz’altro un’interpretazione originale.

Hyperion

Saga: Squadrone Supreme
Autori: Roy Thomas e John Buscema
Editore: Marvel
Poteri: Forze e velocità sovrumana, resistenza e invulnerabilità, sensi ipersviluppati, volo, fattore di guarigione accelerato, soffio congelante.

Hyperion nacque come supercattivo, avversario degli Avengers, e controfigura malvagia di Superman, l’eroe della testata concorrente di sempre, la DC Comics. Di origine aliena, dotato di poteri ben oltre la soglia umana (e anche superiori a quelli di buona parte dei Vendicatori) Hyperion è stato per anni una minaccia ricorrente del Marvelverso (l’universo Marvel), finché gli autori ne hanno modificato pian piano carattere e attitudini.
In realtà la miglior prova di sé la dà nella saga Supreme Power, un mondo a sé stante in cui non esistono né Avengers né X-Men, bensì solo pochi individui dotati di poteri eccezionali. Hyperior arriva sulla terra a bordo di una navicella aliena (come Superman) e ben presto viene istruito e addestrato per diventare il più grande eroe americano. Ma in realtà le sue attitudini pian piano cambiano, insieme alla consapevolezza di essere una creature ben più forte dei normali esseri umani, e quindi forse destinata a governare su di essi…

Apollo

Saga: The Authority
Autori: Warren Ellis, Bryan Hitch
Editore: Wildstorm
Poteri: Apollo è in grado di assorbire l’energia solare e di utilizzarla come fonte delle sue abilità. Esse comprendono una forza semidivina, la quasi totale invulnerabilità, la capacità di volare e di rilasciare scariche caloriche simili a flare solari.

Apollo fa parte dell’anarchico, moderno e irriverente team di supereroi chiamato The Authority. E’ un altro eroe chiaramente ispirato al Superman della DC Comics, con la sola differenza che molti dei suoi compagni di squadra hanno poteri che, pur diversi dai suoi, sono più o meno sullo stesso livello di pericolosità.
Ma in realtà ciò che distingue Apollo è il suo orientamento sessuale: è gay. Non solo: il suo compagno, Midnighter, è una sorta di vendicatore mascherato che fa il verso in maniera esplicita e chiara a Batman.
A differenza del Plutoniano e di Hyperion Apollo è uno dei buoni.

Samaritan

Saga: Astro City
Autori: Kurt Busiek
Editore: Wildstorm
Poteri: Volo supersonico, forza sovraumana, manipolazione dei campi d’energia, sensi potenziati, capacità di viaggiare tra dimensioni parallele.

Una prima differenza tra il Superman classico e Samaritan è il fatto che quest’ultimo è in realtà un viaggiatore temporale giunto ad Astro City dal 35° secolo, per prevenire una serie di catastrofi che nel futuro distruggeranno il suo mondo.
Una volta arrivato nel nostro presente viene scambiato per un supereroe e infine tale diventa, a tutti gli effetti. Pur essendo un essere molto forte e dotato di poteri che vanno ben oltre la soglia umana, Samaritan non è onnipotente, a differenza di quanto pensa di lui la gente. Questo vivere sempre al limite delle sue capacità lo fa apparire spesso distaccato dai sentimenti umani, almeno fino a quando non può concedersi una vita fittizia nei panni di Asa Martin, una sorta di Clark Kent di Astro City.

Alpha-One

Saga: The Mighty
Autori: Peter Tomas e Keith Champagne
Editore: DC Comics
Poteri:  Volo, forza sovraumana, conoscenze tecnologiche e scientifiche superiori a quelle umane, sensi ipersviluppati, velocità sovraumana.

Alpha-One, protagonista della minisaga The Mighty è l’ennesimo eroe la cui storia ricalca apparentemente quella di Superman. Il governo americano, per cui Alpha-One lavora, sostiene che si tratta di un marinaio accidentalmente esposto a delle strane radiazioni che l’hanno trasformato in un essere superpotente e quasi del tutto indistruttibile. In realtà Alpha-One, unico eroe di una terra in cui non esistono altri paladini mascherati, è un alieno.
Gli Stati Uniti ne hanno fatto un simbolo e un protettore, tanto da formare un corpo di polizia il cui unico scopo è fornire supporto e assistenza (soprattutto a livello di immagine e marketing) ad Alpha-One.
Eppure il supereroe è ben diverso da come appare in pubblico da anni. Brama il potere e ambisce a diventare l’unico sovrano della Terra, motivo che gli è già costato l’esilio dal suo pianeta natale, dove ha tentato invano di prendere il comando tramite una guerra civile.
Meno folle del Plutoniano, meno complessato di Hyperion, Alpha-One è motivato dal più meschino dei sentimenti: l’avidità.

Invincible

Saga: Invincible
Autori: Robert Kirkman, Cory Walker
Editore: Image Comics
Poteri : Forza sovraumana, ipervelocità, fattore rigenerativo, iperesistenza, volo

Mark Sebastian Grayson, figlio di Nolan Grayson, alias Omni-Man, il supereroe più potente del mondo. Mark non è del tutto umano, bensì è per metà (da parte paterna) Viltrumita, ossia membro di una stirpe di guerrieri stellari apparentemente votati a mantenere la pace nel cosmo.
Dopo aver partecipato a diverse avventure in team di supereroi terrestri, con sempre il fulgido esempio di papà davanti agli occhi, Mark scopre la terribile verità: i Viltrumiti sono in realtà degli spietati, invincibili conquistatori e Omni-Man non è altro che l’inviato del suo impero per schiavizzare la Terra quando i tempi saranno maturi.
Mark non accetta il voltafaccia del padre e decide di sfidarlo per difendere il pianeta su cui è cresciuto.
Invincible è un fumetto supereroistico fresco e ricco di idee, a metà tra il teen-drama, la commedia e il serial in cui si mischiano atmosfere leggere e pestaggi sanguinari, splatterosi, letali. Mark è un “Superman” molto interessante, soprattutto perché la sua più grande ordalia è proprio quella di sconfiggere il padre, Omni-Man, un Superman a sua volta più potente, esperto e incazzato.

Nei commenti a questo post alcuni scrittori da qualche tempo in attività sul Web hanno denunciato uno dei tanti, piccoli problemi che complicano questa bella ma complicata attività: la mancanza di feedback.
La faccenda è questa: molti scaricano ebook, specialmente gratuiti. Alcuni non li leggono nemmeno e una buona percentuale di quelli che invece lo fanno non lasciano alcun commento né all’autore né sul proprio blog o sui social network.
Altri ancora commentano solo per sottolineare quanto il libro/racconto in questione sia brutto, premurandosi di far sapere come lo avrebbero scritto loro e quali manuali l’autore dovrebbe leggere prima di riprovare un altro esperimento di questo genere. Se invece il libro/racconto gli è piaciuto liquideranno la questione con un semplice “non è del tutto da buttare“.
Che persone tristi, vero? Ma non è di questo che ci occuperemo, bensì di altro.
La domanda è questa: perché certi autori ricevono feedback e altri no?

La risposta semplice: perché lo scrittore deve sapersi anche vendere come “personaggio”. Una cosa di cui abbiamo già accennato nel post sul futuro della lettura.
Piaccia o meno il concetto di scrittore solitario e distaccato dal mondo è da considerarsi obsoleto e fallimentare.
I lettori vogliono interazione, vogliono partecipare alla fase creativa delle storie, desiderano dare del “tu” agli autori che seguono, ma anche dare consigli e fare richieste?
E’ giusto? E’ sbagliato? Chi lo sa. Però è così.
I social network hanno cambiato le regole del gioco, così come i blog e, prima ancora, i forum online.
Qui entra in gioco una seconda questione: lo scrittore può spaziare, non limitandosi a parlare soltanto dei suoi lavori, bensì esprimendo pareri in merito a una questione di argomenti, dalla recensioni ai programmi in TV, dalle belle donne (o bei fusti), dallo sport ai film.
Insomma, si rischia di finire nella categoria dei tuttologi, anche non volendo.
Ma, in definitiva, è un male?
Direi di no. L’idea che sta sotto questa trasformazione è in fondo basilare: lo scrittore si sveste della sua intoccabilità “artistica” e si pone al suo pubblico come amico, consigliere, compagnone.
Va da sé che non tutti sono portati a comportarsi così. Certe persone i social network li schifano a prescindere, o comunque non vogliono parlare dei fatti loro in pubblico.

C’è poi un secondo step da considerare: il carisma.
Molti scrittori sanno usare il linguaggio non solo nei racconti, bensì anche nello scambio di battute scherzose o negli articoletti che nulla hanno a che fare col loro lavoro. In men che non si dica diventano opinion maker (che fa figo dirlo in inglese, no?). Fanno tendenza. Esprimono la loro attitudine a diventare “esemplari alfa” di una comunità.
Al che i lettori, che sono un po’ amici e un po’ fan, faranno a gara per fornire allo scrittore il feedback sui suoi lavori. Feedback non necessariamente positivo, come è giusto che sia, ma pur sempre un feedback. Ossia passeranno parola, passaggio fondamentale dell’attività di qualunque artista in quest’epoca di condivisioni volontarie.
E’ come per i telefonini di ultima generazione: una delle applicazioni più importanti è quella che permette di condividere una foto, una canzone o un pensiero con un semplice click, direttamente su Internet. Se non condividi non sei nessuno. Se non condividi non esisti.
Ancora una volta: è giusto o sbagliato? La domanda in realtà è sciocca: la realtà è questa (adattati o muori, aggiungerebbe qualcuno).

Solo che lo scrittore deve sì condividere, ma soprattutto convincere il prossimo a fare lo stesso, passando parola ed esprimendo giudizi che siano un minimo costruttivi, e non insultanti.
Il rischio è però, come già accennato, quello di diventare tuttologi. Di esprimere giudizi che esulano la soggettività e diventano verità inoppugnabili.
Basta guardare in Rete. Di stolti che si proclamano “signori e padroni” di qualche argomento ce ne sono a bizzeffe. Signore del fantasy. Signore dei supereroi. Signore degli zombie (che poi…) Signore del giusto modo di scrivere. Signore del cinema. Signore dell’oplologia. Signore dei manga. (Etc etc). Di solito fondano il loro consenso su una base di fan-boys adoranti, che non fa altro che peggiorare la carica di follia e di esaltazione dei tizi in questione.
La cosa che fa specie è che si tratta una strategia di marketing che spesso paga, almeno all’inizio. Così come del resto in Italia paga ogni genere di polemica: calcistica, politica, economica, gossippare.
Qualcuno ha detto Grillo? No, pietà, fuori la politica da Plutonia!
Comunque se si arriva a tanto, ossia a diventare dei grotteschi personaggi con un grande seguito basato però sull’odio e sulle sparate clamorose, beh, sappiatelo: a un certo punto avete sbagliato strada e prima o poi vi perderete nel bosco.
Cosa che in effetti succede a tutti i demagoghi da due soldi.
Quindi, riassumendo tutto questo discorsone: è un gran casino trovare l’equilibrio tra l’essere troppo schivi e anonimi e il trasformarsi in rutilanti imbecilli. Ma vale la pena provare.

Irredeemable
di Mark Waid e Peter Krause
Boom! Studios (Italycomics per l’Italia)
36 numeri in formato cartaceo o digitale (lingua inglese – serie in corso di pubblicazione)
Volume 1 in lingua italiana – 192 pagine a colori, 25 euro

Sinossi

Quando il Plutoniano, il più grande eroe del mondo, perde la testa e si trasforma nel più grande criminale del mondo, solo i suoi ex compagni hanno una chance di fermare la sua furia. Ma, mentre sono in fuga dall’essere più potente e più arrabbiato del mondo, riusciranno questi ex amici a scoprire in tempo i suoi segreti? Come è giunto a questo? Cosa è stato delle speranze e delle promesse che un tempo si riponevano in lui? Cosa succede al mondo quando il suo salvatore lo tradisce? Cosa rende un eroe Irredimibile?

Commento

Banalizzando potremmo dire che Irredeemable è una versione alternativa di Superman: cosa succederebbe al nostro pianeta se l’Uomo d’Acciaio, una creatura dai poteri quasi divini, impazzisse? Se al posto di continuare la sua esistenza da protettore dell’umanità diventasse uno sterminatore?
Probabilmente ci troveremmo davanti a uno scenario apocalittico.
In questa storia firmata Waid/Krause l’ipotesi peggiore diventa realtà. Per anni il mondo ha convissuto con alcuni supereroi, in particolare con gruppo conosciuto come Paradigma, al servizio degli Stati Uniti e guidati dal misterioso Plutoniano, un essere quasi invincibile, capace di imprese molto al di sopra delle capacità umane. 

Col volume d’apertura di  Irredeemable  scopriamo che però lo status quo è cambiato. Il Plutoniano, Tony, è improvvisamente impazzito, trasformandosi nel peggior criminale al mondo. Il suo primo, eclatante gesto è stato quello di radere al suolo Sky City, la città che ha difeso per anni. Il suo attacco, paragonabile a un bombardamento nucleare, ha causato milioni di morte. Tuttavia è solo l’inizio. Giorno dopo giorno il Plutoniano attacca altre città, causando uno tsunami a Singapore e massacrando uno dopo l’altro gli altri membri del Paradigma, compresa la sua ex spalla, il giovane Samsara.

Questo è il modo in cui inizia una graphic novel che se non può essere considerata un capolavoro senz’altro lo sfiora, almeno nel suo prologo. Il primo volume, l’unico al momento tradotto in Italiano, ci racconta i giorni della follia di Tony (il Plutoniano) e del suo trasformarsi da semidio protettivo e benevolo a furia distruttrice senza pietà e senza redenzione.
Gli altri supereroi, per forti che siano, sono molto più deboli di lui. Il Paradigma si divide per decidere come opporsi al suo ex leader. C’è chi propone l’attacco diretto, chi la mediazione, chi l’indagine per capire cosa ha portato Tony a diventare un genocida di massa. Al culmine della disperazione il Paradigma pensa perfino di rivolgersi allo storico nemico del Plutoniano, lo scienziato Modeus, di cui però non c’è traccia da tempo.

Opera matura e cruda, Irredeemable ci mostra – come già accennato – un’Apocalisse per mano di un superuomo pensato e immaginato come molto simile a Superman. Nei primi numeri della graphic novel gli autori sono davvero molto abili nel mostrare in quale stato di terrore cadrebbe in mondo se lasciato in balia di un essere tanto superiore da essere invulnerabile a quasi tutte le armi umane. Tale disperazione traspare sia nelle tavole in cui il Plutoniano attacca intere città (epica la distruzione di Sky City, alter ego di Metropolis), sia nelle gesta confuse e spaventate del Paradigma (gruppo paragonabile alla Justice League).

Io sono andato avanti nella lettura, acquistando le versioni digitali – eComics – in versione inglese. A metà percorso la storia torna su tematiche supereroistiche più classiche, introducendo corsi e ricorsi che gli appassionati senz’altro ben conoscono. Poi, verso il finale, ritorna prepotentemente in scena la tematica del super-essere supremo e il relativo impatto che può avere su una comunità – quella umana – i cui membri sono infinitamente meno forti di lui. 
Mark Waid è bravissimo a tratteggiare i vari protagonisti di Irredeemable, tutti tridimensionali e combattuti tra pregi e difetti (sia i buoni sia i cattivi). Il maggior lavoro di cesello viene fatto proprio sul Plutoniano, di cui man mano ci viene mostrato anche il passato, gli amori, il lato oscuro che emergeva pian piano, quando ancora era l’eroe di tutti i terrestri. Il Plutoniano è terribile e maestoso, spietato e folle. Tuttavia il lettore non può fare a meno di empatizzare, almeno di tanto in tanto, con la profonda, cosmica solitudine di un essere tanto diverso dal resto del creato che pochi possono sperare di comprenderlo, anche in minima parte.

Lettura impegnativa e al contempo divertente, Irredeemable regala una storia di supereroi matura e cupa, con innegabili rimandi ai più celebri Super del mondo DC e – in parte minore – di quello Marvel.
Il primo volume italiano (costoso, ahimé) è uscito da un anno abbondante. Da allora non si ha più notizia del secondo, mentre la storia in lingua originale è oramai praticamente conclusa. Lecito porsi qualche domanda riguardo all’operato di Italycomics: ha intenzione di continuare a pubblicare la saga per il pubblico italiano oppure la speranza può essere considerata oramai vana?

Capitan Germania, l’eroe dell’Impero Tedesco.

In tutto il gran parlare di manuali e tecniche di scrittura si discute sempre meno delle cose più goduriose di questa passione: le storie, le ambientazioni, i personaggi.
Una delle cose più frustranti per un autore (esperto o principiante che sia) è quella di ricevere una lista di refusi e zero commenti sulla storia, se non mere osservazioni su infodump e show don’t tell.
In tal modo lo stile, pure importantissimo e da migliorare costantemente, assume a parametro supremo, se non unico, per valutare un racconto o un romanzo.
Da queste parti tuttavia ci piace concentrarci su altri aspetti della scrittura e della lettura. In nome di una buona storia o di qualche memorabile protagonista siamo disposti a chiudere un occhio su certi errori di forma. La forma del resto è perfezionabile attraverso pratica, studio e lettura, mentre la creatività e la fantasia bisogna sfruttarli fin quando esistono.
Oggi spendiamo due parole proprio sui protagonisti dei libri, senza però perderci in troppi tecnicismi.

Quando un personaggio di fantasia può dirsi riuscito?

• Quando suscita emozioni;
• Quando ce lo ricordiamo anche a lettura/scrittura ultimata;
• Quando in molti ne parlano.

Diciamoci la verità: azzeccare una caratterizzazione vincente è davvero complicato. Ogni genere abbonda di cliché, spesso difficili da gestire. Chi li vuole evitare del tutto rischia di cadere nella trappola dell’originalità forzata, che spesso e volentieri genera brutture. Chi invece si affida totalmente ai cliché soddisfa solo una parte di pubblico, annoiando a morte tutti gli altri.

Anche la storia dell’immedesimazione è vera a metà. Non tutti i lettori hanno la necessità di provare empatia per un personaggio che vive “più o meno” i problemi di tutti. Specialmente nella narrativa di genere o di fantasia, dubito che siano poi così numerosi i lettori che desiderano sorbirsi le avventure di un signor qualunque che litiga con l’impiegato delle Poste per pagare le bollette del gas. A volte il pubblico vuole storie esagerate, protagonisti in grado di fare cose precluse nella cosiddetta realtà. Eroi, insomma.

Nella mia oramai non breve esperienza di autore autoprodotto mi rendo conto di aver proposto delle belle storie, degli scenari molto interessanti e dei personaggi funzionali alla trama, ma non sempre memorabili. Questo perché in parte proprio perché soffro in prima persona della mania di proporre “l’eroe qualunque”, quello che non spicca più di tanto, perché molto simile a tante persone reali.
Facendo mente locale direi che i miei personaggi più apprezzati dai lettori sono:

• Capitan Germania, l’eroe dell’Impero Guglielmino, metà umano e metà assemblato, protagonista di Prometeo e la guerra: 1937.
• Liam Geady, cacciatore di licantropi irlandese, ex terrorista dell’IRA, folle e rissaiolo. Visto in Uomini e Lupi.
• Cristina Riccione, blogger e reporter freelance, coprotagonista del Survival Blog e autrice fittizia di Scene Selezionate della Pandemia Gialla.

Libby (Evangeline Lilly), la supereroina velocista del gruppo START.

Nel caso di Capitan Germania e di Liam il successo è dovuto rispettivamente al valore simbolico/estetico (nel primo caso) e al carattere esageratemante sopra le righe (nel secondo caso). Per Cristina Riccione direi che entra in gioco anche una componente “erotica”: la giovane giornalista in stile punkeggiante, ricalcata su una vera modella (Cristina Riminucci), era perfetta per conquistare i lettori di ambo i sessi.

Con Due minuti a mezzanotte ho involontariamente creato quello che a lungo andare sarà forse il mio personaggio preferito, la supereroina Libby, pensata col volto di Evangeline Lilly e coi poteri di un velocista come Flash, o Quicksilver.
Libby mi ha conquistato in modo così immediato da indurmi a scrivere immediatamente alcuni racconti spin-off autoconclusivi su di lei, indipendenti da 2MM.
Al di là delle mere annotazioni fisiche, la bella velocista mi piace perché, pur essendo donna, è superiore a buona parte dell’universo maschile non dotato di superpoteri, e ne è ovviamente consapevole. Ciò la porta ad agire e pensare a un livello superiore, pur essendo schierata dalla parte dei “buoni”.

Tra l’altro proprio scrivendo di lei, è nato spontaneamente un personaggio secondario, che rappresenterà una sorta di rivale di Libby, la Super russa Sibir (già comparsa fugacemente in Bullet of love), disegnata da Giordano Efrodini per l’occorrenza. Questo è un piccolo esempio di “comparsa” ben riuscita, per la serie: non è importante essere la star del racconto (anche se spesso aiuta). Probabilmente leggerete qualcosa di lei in futuro.

Concludo con una domanda rivolta a chiunque si è mai dilettato di scrittura: qual è il vostro personaggio più riuscito e più apprezzato dai lettori? Quale invece vi è riuscito meno bene del previsto?

Sibir (Marija Sharapova), la supereroina ex URSS, ora Russa.

Torno a ospitare una cantante su queste mie pagine.
Personalmente le adoro, trovo perfetto il connubio tra bella voce, musica e fascino femminile. In un’altra epoca sarei andato in cerca delle Sirene, probabilmente.
La fanciulla di cui vi parlo oggi è Joss Stone, inglese di Dover, classe 1987. Cantautrice giovane, ma con una carriera già ricca di successi e soddisfazioni.
Voce ricca e profonda, quasi nera. Voce da soul. Vederla e sentirla cantare è una delizia.
Nel 2003 pubblica The soul session, che la presenta al meglio al grande pubblico. E’ subito amore: vende quattro milioni di copie e fa un tour che la porta in giro per tutto il mondo.
All’album d’esordio seguono Mind, Body and Soul (2005), Introducing Joss Stone (2007), Colour me free (2009), LP1 (2011), primo album con un’etichetta indipendente. Riscuotono tutti ottimi riscontri di pubblico e critica.
Tra le curiosità vale la pena ricordare che Joss è vegetariana, nonché testimonial della PETA. E’ anche una delle celebrità mondiali più amate dai feticisti dei piedi.
Lo scorso anno è stata protagonista di un brutto episodio di cronaca: la polizia inglese ha arrestato degli invasati che progettavano un piano per ucciderla. Per fortuna non sono arrivati a tanto.
Foto!

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Continuiamo l’amarcord adolescenziale iniziato con questo post (andatevelo a rileggere se vi serve tutto il cappello introduttivo e bla bla bla) citando cinque videogiochi da bar che fanno parte del mio DNA, del mio passato, della mia storia.
Premessa: chi è nato come me più o meno a metà degli anni ’70 ricorderà un’epoca gloriosa in cui i personal computer se li potevano permettere solo i compagni di classe ricchi. Gli altri, tipo quelli come me, inforcavano la bicicletta e si fiondavano nei bar del paese, dove le macchinette coin-up facevano da monoliti, circondati da tavolate di vecchi avvinazzati che ci guardavano come se fossimo alieni. E forse lo eravamo un po’ per davvero. Ma Dio, quanto era bello!
Io i bar del mio paese li ho foraggiati per anni con le monetine da 200 lire prima, con quelle da 500 lire poi. Di giochi che mi han fatto compagnia ce ne sono stati tantissimi, uno più bello dell’altro. Rivederli ora con un simulatore scaricato sul portatile è una cosa triste e poco utile. Finita la magia, rimane solo l’effetto nostalgia.
Non potendo citarvi tutti i titoli che amo, vi elenco i cinque che in assoluto rappresentano qualcosa di speciale per me. Niente videogames da computer però: solo titoli da bar e da sale giochi.

Ghosts ‘n Goblins

Anno: 1985
Produttore: Capcom
Genere: Piattaforme

Ghosts ‘n Goblins, ovvero il gioco impossibile da finire. Quello in cui ho speso – parlando in proporzione con l’età di allora – più soldi. Avevo dieci anni e le piccole mance dei nonni finivano quasi tutte in quella macchinetta infernale.
Che poi io ero molto meno bravo dell’amico che giocava con me, infatti alla fin fine me la godevo di più a vedere le sue partite che non a smadonnare per le mie.
Mi piaceva scoprire quei livelli impossibili che non riuscivo a completare, mentre lui ce la faceva. Mi piaceva anche vedere in azione le varie armi a disposizione del povero cavaliere che faceva una fatica boia a non farsi massacrare dai mostri di turno.
Lancia, scudo, torcia, pugnale, ascia, scudo… Per quei tempi era un’abbondanza eccezionale. In c’era più il mostro finale, nientemeno che un satanasso enorme che ci aveva rubato la fidanzata a inizio gioco.
Mitico anche il seguito, Ghouls ‘n Ghosts. Ragazzi, non ne fanno più di coin-up così.

Double Dragon

Anno: 1987
Produttore: Taito
Genere: Picchiaduro a scorrimento

Eh, i picchiaduro, quanto mi piacevano! Double Dragon fu in pratica il primo della lunga lista in cui mi cimentai tra il 1987 e il 1991 (o giù di lì). Personaggi fighissimi, uno scenario apocalittico – DD è ambientato in una New York postnucleare – avversari dall’aspetto punkeggiante che ricordavano molto i cattivi di Ken il guerriero, che a quei tempi era l’idolo di tutti noi.
La vera figata era però un’altra: a Double Dragon si poteva giocare in doppio e ci si poteva pure pestare l’uno con l’altro! Leggendarie certe litigate per omicidi – ehm – involontari del proprio compagno di team. In fondo si perdevano 200 lire. Erano soldi!
Anche l’appeal dei nemici era molto azzeccato. I giganti che sbucavano dai muri (scopro ora che si chiamavano Bolo) facevano davvero paura ed erano dotati di  una forza bruta che metteva i brividi. Per non parlare della sua versione colored, Abobo, disegnato in modo da ricordare Mister T, altro cazzutissimo idolo degli anni ’80.
Quante partite…

Altered Beast

Anno: 1988
Produttore: SEGA
Genere: Picchiaduro a scorrimento

Altered Beast uscì quando io e miei amici eravamo già entrati in fissa coi librogame e con i giochi di ruolo. Questo gioco fu quindi un’epifania, un segno del destino, una giostra perfetta.
Atena viene rapita dallo stregone Neff e Zeus ci incarica di salvarla. I due combattenti che potevamo interpretare avevano una facoltà straordinaria: quella di trasformarsi in licantropi. E non solo lupi, bensì anche draghi, orsi mannari, tigri.
Anche i livelli progressivi brillavano di originalità e di una grafica straordinaria: da cimitero si passava al mondo sotterraneo, infestato da orrende rane giganti e cinghiali-ninja (!!!), quindi si attraversava la caverna delle anime, il palazzo di Neff e infine la cittadella infernale di Dite.
Tutto questo nel 1988. Vi rendete conto?
Un ricordo personale legato ad Altered Beast: è un coin up che ho giocato in almeno quattro posti diversi. In un bar qui in paese. Al mare. In un bar non-ricordo-dove, mentre io e papà aspettavamo di entrare in ospedale a trovare un parente. In montagna dai nonni.
Mamma mia, quanto tempo è passato

Street Fighter

Anno: 1987
Produttore: Capcom
Genere: Picchiaduro a incontri

Se i giochi elencati finora sono legati a bar e osterie, Street Fighter è IL gioco da giostre per eccellenza.
Ricordo un anno, il 1987 o il 1988, in cui io e i miei amici passavamo ore su ore nella sala giochi semovente delle giostre per arrivare a vincere l’ambito trofeo di arti marziali.
Era la festa del paese, ma non ci interessava di nient’altro se non di Ryu, di Ken e dei loro fortissimi avversari. Riuscire a scagliare un hadoken (una sfera energetica in grado di colpire a distanza) era lo step necessario per poter arrivare al boss finale, Sagat, sperando di sconfiggerlo.
Mitici i bonus stage, in cui bisognava impegnarsi a spaccare tavolette di legno e lastre di cemento per accumulare punti.
A onor del vero devo dire che Street Fighter 2, uscito pochi anni dopo, era infinitamente più bello e più ricco di opzioni di gioco. Infatti mi incollai pure a quello.

Dragon’s Lair

Anno: 1983
Produttore: Advanced Microcomputer Systems
Genere: Azione fantasy

A Dragon’s Lair non sono mai stato capace di giocare. Infatti ci ho provato poche volte.
Allora perché lo cito? Perché alla sala giochi di Rimini che frequentavo mi fermavo ogni sera per una buona mezz’ora a vedere gli altri che tentavano la sorte nei panni di Dirk the Daring, intrepido cavaliere incaricato di salvare la principessa Daphne dalla tana del drago Singe.
La cosa più notevole di Dragon’s Lair era la grafica, così diversa da quella di tutti gli altri giochi. Praticamente si trattava di un cartone animato. In realtà era un laser game, bello da vedersi ma con una giocabilità molto molto bassa. Ma cosa poteva saperne un ragazzino di otto/nove anni?
C’era il drago, c’era il cavaliere, c’era il Re Lucertola. C’erano pure i cavalieri neri e gli uomini fango. Cos’altro poteva servire?
Niente, appunto.

Mi sa che una parte importante di me è rimasta ancorata a tutte queste avventure.

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